lunes, mayo 30, 2011

Boletín Literario Basta ya ! / Mayo 2011



Oleo: La niña del arete de perla (Johannes Vermeer)

Boletín Literario Basta ya! / Mayo 2011



Boletín Literario Basta Ya! nº 116 / MAYO 2011
Director / Propietario: Eduardo Alberto Planas
Colaboradores Permanentes: Liliana Chavez, Alfredo Lemon, Jorge Luis Carranza, Pablo Carrera, Adriana Pozzo, Mónica Ferrero
Diseño y Diagramación: Eduardo Alberto Planas
Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión del Basta Ya! Suscripción gratuita. Este Boletín se edita en forma virtual mensualmente. Registro de Propiedad Intelectual nº 598958. Hecho el depósito que marca la ley 11.723. Se puede reproducir con cita de autor y fuente.
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SUMARIO
Intertextualidad / Centro Virtual Cervantes // Envuelve y hace bien / Jorge Luis Carranza // Lo que me dijo un loco / Roque Dalton // La muchacha del arete de perla / José Manuel García Ortega // Vendaval / Lluvia / Laura López Morales // Don Ernesto Sábato / Silverio Enrique Escudero // El legado / María Teresa Archina // Crisálida / Eduardo Alberto Planas / El Beso /Alfredo Lemon // Cristo inconcluso / Claudia Tejeda // Detrás del sombrero / Lago / Myriam Rosatti // Programa “Luna de Pájaros” // Programa Cultural “Iniciando la tarde”/ Una cosa trae la otra / Tabaco, Cine, Televisión, y un Intríngulis // Lily Chavez // Cortázar y el cine / Eduardo Alberto Planas // Una exploración sobre la violencia y la familia en lo identitario del sueño americano según los filmes Match Point (2005) y Una Historia de Violencia (2005) // Lic. Agustina Sosa Revol y Lic. Gustavo Kofman // Lluvia de Lluvia / Víctor García // Dragón / Eduardo Alberto Planas // Los blues del Dr. House


LA LITERATURA Y EL ARTE


Intertextualidad

Se entiende por intertextualidad, en sentido amplio, el conjunto de relaciones que acercan un texto determinado a otros textos de varia procedencia: del mismo autor o más comúnmente de otros, de la misma época o de épocas anteriores, con una referencia explícita (literal o alusiva, o no) o la apelación a un género, a un arquetipo textual o a una fórmula imprecisa o anónima.
Origen y evolución de la intertextualidad
El germen del concepto de intertextualidad lo hallamos en la teoría literaria de Mijail Bajtín, formulada en los años treinta del siglo XX, la cual concibe la novela, en particular las de François Rabelais, Jonathan Swift y Fedor Dostoievski, como polifonías textuales donde resuenan, además de la propia, otras voces, como una heterología o heteroglosia, es decir, como una apropiación y recreación de lenguajes ajenos.
Según Bajtín la conciencia es esencialmente dialógica, y la idea, de hecho, no empieza a vivir sino cuando establece relaciones dialógicas esenciales con ideas ajenas. En el caso de la novela, que es el que le ocupa, el escritor sabe que el mundo está saturado de palabras ajenas, en medio de las cuales él se orienta. Fue Julia Kristeva quien, a partir de las intuiciones bajtinianas sobre el dialogismo literario, acuñó en 1967 el término intertextualidad. Para esta autora "todo texto es la absorción o transformación de otro texto". Por su parte, Michel Riffaterre considera la intertextualidad como la percepción por parte del lector de la relación entre una obra y otras que la preceden.
Lucien Dällenbach, por su parte, citando trabajos de Jean Ricardou, propone establecer la diferencia entre una intertextualidad general o entre varios autores, una intertextualidad restringida entre los textos de un solo autor, y una intertextualidad autárquica de un texto consigo mismo. Conceptos afines serían la diseminación y el injerto de Derrida, la architextualidad y la transtextualidad de Gérard Genette, la influencia de Harold Bloom, etcétera.
Por otra parte, pronto se ha visto la utilidad y pertinencia de la aplicación del concepto a otros dominios semióticos, en primera instancia a la semiótica estética (Mukarovski, Yuri Lotman, Ernst Gombrich, Schapiro), y más tarde a toda la semiótica de la comunicación de masas (Umberto Eco, Lamberto Pignotti, el propio Roland Barthes).
Cesare Segre ha llamado a la relación de un texto literario o que utiliza el lenguaje humano de la palabra con otros lenguajes humanos de naturaleza artística interdiscursividad, ya que no sólo hay textos - y por lo tanto intertextos- escritos, sino que en el contexto más amplio de la semiología existe también transtextualidad y la textualidad se hace coextensiva a toda la trama comunicativa humana; a este tipo de relación Heinrich F. Plett prefiere denominarla más bien intermedialidad. También es cuando el interior del texto se excluye en otro.
Definición restrictiva
En su forma más restrictiva, tal como la formula el narratólogo Gérard Genette en su obra Palimpsestos. La literatura en segundo grado, la intertextualidad es una modalidad entre algo más extenso denominado transtextualidad, y se trata de
Una relación de copresencia entre dos o más textos, es decir, eidéticamente y frecuentemente, como la presencia efectiva de un texto en otro. Su forma más explícita y literal es la cita (con comillas, con o sin referencia precisa)... El plagio, que es una copia no declarada pero literal... La alusión, es decir, un enunciado cuya plena comprensión supone la percepción de su relación con otro enunciado al que remite necesariamente tal o cual de sus inflexiones, no perceptible de otro modo

Clases de transtextualidad
Pero el concepto es en sí amplísimo y en esa misma obra reconoce cinco tipos más de intertextualidad. Reuniendo diversas tipologías de transtextualidad, puede establecerse la siguiente clasificación:
• 1. Intratextualidad, o relación de un texto con otros escritos por el mismo autor
• 2. Extratextualidad, o relación de un texto con otros no escritos por el mismo autor.
• 3. Interdiscursividad, según Cesare Segre, o intermedialidad, según Heinrich F. Plett, es una relación semiológica entre un texto literario y otras artes (pintura, música, cine, canción etcétera).
• 4. Metatextualidad es la relación crítica que tiene un texto con otro.
• 5. Paratextualidad es, según Genette, la relación de un texto con otros textos de su periferia textual: títulos, subtítulos, capítulos desechados, prólogos, ultílogos, presentaciones...
• 6. Architextualidad la relación genérica o género literario: la que emparenta textos en función de sus características comunes en géneros literarios, subgéneros y clases de textos.
• 7. Hipertextualidad, según Genette "toda relación que une un texto B (que llamaré hipertexto) a un texto anterior A (que llamaré hipotexto) en el que se inserta de una manera que no es la del comentario".
• 8. Hipotextualidad, inversamente, según Genette, "toda relación que une un texto A (que llamará hipotexto) a un texto posterior B en el que se inserta de un modo que no es el comentario".
Centro Virtual Cervantes





Envuelve y hace bien
Jorge Luis Carranza



Atardece en el patio.
las nubes pasan.

Sin cómo ni porqué
el alma está quieta
y las contempla.

El alma que, por un tiempo,
anduvo por la casa,
sin sosiego.

Las nubes pasan,
el tiempo pasa,
el patio pasa;
en un silencio
que envuelve
y hace bien.



Lo que me dijo un loco
Roque Dalton


Me contaste que tu padre era un pequeño mar.

Que los ángeles son unos estupidillos
Pero por las noches hacen mucho daño con sus uñas
/ de cola de cometa.

Me contaste que en tu casa la lluvia naufraga
y tus hermanas castran furiosas los almendros.

Me contaste que los sedientos son la gran esperanza.
Que silbar en los parques es confesarse impotente
de recuperar el vino de las palabras que uno dice
/ de niño.

Me contaste que la mujer gorda te era desconocida
y que por eso odiabas los gestos de su espalda.

Me contaste que era mejor no salir a la calle
porque a cierta edad es obtuso hacer víctimas.

Me contaste que hay algo que se llama luz
imposible de explicar con las manos.

Me contaste que los árboles no son los principales
/ enemigos
Y que no debía creer nada de lo que hablan desde el
/ el otro lado de las rejas.

Roque Dalton / Antología Poética / 2004


Roque Dalton



Poeta, ensayista, abogado, antropólogo y revolucionario salvadoreño, una de las voces más influyentes de la Generación Comprometida.
Su primera formación la realizó con los jesuitas en el Colegio Externado de San José.
En 1957 viajó a la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) para participar de un festival internacional de jóvenes. Más tarde viajó a Santiago de Chile para estudiar Derecho, aunque volvió a El Salvador a continuar sus estudios.
Dalton se dedicó desde muy joven a la literatura, la poesía y la política, siendo integrante del Círculo Literario Universitario (1956).
Estuvo preso por cuestiones políticas en la cárcel de Cojutepeque, de donde escapó, exiliándose en varios países, entre ellos, México, Checoslovaquia y Cuba.
Publicó la mayoría de sus textos en forma clandestina en El Salvador durante los años sesenta y setenta, obteniendo en tres ocasiones el Premio Centroamericano de Poesía, el Premio Casa de las Américas y otros galardones en diversos certámenes nacionales y centroamericanos.
Roque fue asesinado en 1975 por sus propios compañeros del Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP), la guerrilla a la cual pertenecía en ese momento, acusado de traición, hecho que nunca se probó.
Homenaje a Roque Dalton en adhesión al V Festival Internacional de la Palabra





La muchacha del arete de perla
Dirección: Peter Webber
Producción: Andy Paterson
Guión: Olivia Hetreed, basado en la novela de Tracy Chavalier
Elenco: Colin Firth, Scarlett Johansson
Música: Alexandre Desplat
Países: Reino Unido, Luxemburgo
Año: 2003
Duración: 99 min.



El tema de uno de las obras más conocidas y hermosas del pintor holandés del siglo XVII, Johannes Vermeer, (Muchacha con perla) se convierte en motivo para la realización de esta fina película biográfica y costumbrista del debutante director inglés Peter Webber.
La historia es narrada desde la perspectiva de Griet, una adolescente que debe dejar a su familia para ir a servir a la casa de Vermeer, ubicada en las cercanías del canal de Delft, su ciudad natal. Al llegar, se le encargan diferentes faenas, incluida la de efectuar la compra de alimentos en el mercado local, donde conoce a Pieter, el hijo del carnicero, quien no tardará en interesarse por la bella y humilde Griet. A los pocos días también le es asignada la limpieza del estudio de Vermeer, donde de inmediato percibe la atmósfera taciturna y reclusiva que el maestro requiere para trabajar, desarrollando una afinidad instintiva con su proceso artístico.
Su presencia despierta el interés del propio Vermeer, quien la adopta como ayudante personal para la preparación de sus materiales, hasta que finalmente, cautivado por la misteriosa hermosura de la joven, le pide que pose para la realización de un retrato.
La relación entre el artista y su nueva modelo provoca la contrariedad de la celosa y posesiva mujer de Vermeer, Catharina, y de su intrigosa madre, así como el libidinoso interés del otoñal Van Rujiven, el mecenas del pintor, quien acostumbra elegir los temas que Vermeer habrá de pintar para él.
En medio del cisma que ha provocado, Griet sigue cumpliendo con sus labores, alternando un romance dulce y tranquilo con Pieter, con una contenida pero irrefrenable atracción por el propio Vermeer.

En una de las secuencias más interesantes, un extraño mueble es trasladado al estudio del pintor. Se trata de una “cámara oscura”, un instrumento que reproduce sobre un plano cualquier imagen tridimensional que se sitúe ante ella. Consiste en una caja cerrada, con un orificio en uno de sus lados, que permite el paso de la luz reflejada por los objetos hasta reproducirse la imagen en el fondo de la misma. Vermeer permite a Griet echar una ojeada y esta se sorprende ante la visión, como si hubiese descubierto una nueva manifestación de lo real.

La cámara oscura tenía diversas variantes que, mediante el uso de lentes, permitían corregir la inversión de la imagen y convertirla en un instrumento muy útil para cualquier pintor interesado en las leyes de la perspectiva, y en la incidencia y reflexión de la luz. El principio es el mismo que permite a las cámaras fotográficas actuales proyectar las imágenes sobre una película impregnada con ciertas sustancias químicas que fijan la proyección. El tipo de cámara oscura que aparece en la película, era conocido como cubiculum; algunos modelos de ella, mediante el uso de lentes y espejos, permitían proyectar la imagen sobre una pantalla traslúcida.

La investigación de la luz era un tema de la época, con el estudio de la refracción por Snell, el invento del microscopio por Leeuwenhoeck y la teoría ondulatoria de la luz de Huygens. Dado el carácter racionalista que predominaba en el ambiente cultural europeo, no es de extrañar que los pintores se interesasen por los descubrimientos científicos que iban revelando tanto la naturaleza de la luz, como los mecanismos de la visión.

La muchacha del arete de perla es una bella e interesante película, absolutamente recomendable, sobre todo para aquellos que pensamos que existen senderos por los que el arte y la ciencia pueden pasear abiertamente tomados de la mano. Pocas veces el cine comercial se ha ocupado como en esta ocasión de dramatizar con sentido pleno el proceso de generación de una obra de arte, como es este famoso y enigmático retrato pintado por Jan Vermeer hacia 1665. El logro no radica solamente en haber sabido plantear una historia sino, sobre todo, en haberla podido ambientar plásticamente. Es de reconocer en este sentido el trabajo combinado del director Webber y el de su cinefotógrafo, Eduardo Serra, quienes imprimen el film en relajantes tonos sepia y ámbar que remiten directamente a la atmósfera de intimidad de los propios cuadros de Vermeer. Lo mismo vale decir para la representación de la época y la cuidadosa selección de exteriores.



José Manuel García Ortega
Director General de Actividades Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México






Vendaval
Laura López Morales




La tierra se esparce
y es polvo sobre el mismo polvo
lo que cae,
lo que cubre
y se derrama
y vuelve a derramarse…
Polvo sobre el mismo polvo
ahora que tus párpados
tiemblan.



LLuvia

Un antiguo latido
cruza toda la tierra
como si alguien
llamara.






Don Ernesto Sábato
Enrique Silverio Escudero





¿Qué decir en esta hora cuando parece que todas las palabras han sido dichas? ¿Cómo avanzar sin caer en los lugares comunes luego de que la prensa mundial y los ámbitos académicos agotaron los adjetivos? La muerte, aunque esperada, nos sorprendió. Le soñábamos inmortal. Es el último de los grandes que acunaron nuestro sueño de lector. Ahora está en ese limbo donde los agravios no alcanzan porque es de cobardes pretender polemizar con un muerto. Sábato, Jorge Luis Borges, Ezequiel Martínez Estrada y Julio Cortázar fueron algunos de los responsables más queridos de mis primeras ensoñaciones de escritor y periodista.
Le debo a Don Ernesto mucho; demasiado, quizás. Fue la guía que necesitaba para continuar la búsqueda de los rastros de un héroe olvidado de la Guerra de la Independencia, el teniente general Juan Esteban Pedernera, nacido en la villa de San José del Morro en la Provincia de San Luis. Su Romance de la Muerte de Juan Lavalle, incluido en “Sobre héroes y tumbas”, esa extraordinaria novela que, este año, curiosamente, cumple sus primeros y más que lozanos cincuenta años, nos indicó que estábamos en buen camino y la historia fue…
El archivo nos es de suma utilidad. Un sinnúmero de recortes, de todas las épocas, inundan nuestra mesa de trabajo. Sus libros, que hemos recorrido de urgencia, están cerca. Están los rastros de un hombre con sus claroscuros y disfrutamos. Es que Ernesto Sábato fue un hombre de su tiempo. Contradictorio como contradictoria es la sociedad que lo ha transformado en uno de sus íconos más preciados. Buscamos a ese hombre y lo encontramos. No está exento de vacilaciones. No es el inmortal por el que claman los fanáticos sino, apenas, un hombre arropado en sus ideas y sus ocurrencias similares a la de cualquier mortal.

No se es leal con el muerto cuando se tienen visiones condescendientes para con protagonistas de las mismas circunstancias históricas. ¿Qué diferencia a Sábato de René Favarolo cuando ambos visitaron, apenas sucedido el golpe de Estado de marzo de 1976, a Jorge Rafael Videla? ¿Por qué al neurocirujano –que parece parido por la Patria– no se lo “ejecuta” de la misma manera cuando, siendo integrante de la Conadep, decide renunciar para proteger sus negocios con las obras sociales ligadas a las fuerzas armadas? ¿Acaso se le está cobrando “su imprudencia” cuando, como secretario de la Juventud Comunista, rompe la ortodoxia partidaria y denuncia, en Bruselas, los crímenes de lesa humanidad cometidos por José Stalin?
Sus aportes a la historia cultural de los argentinos son múltiples. De su decisión –acompañado por Abel Posse, Ernesto Epstein, Jorge Romero Brest, Roger Pla, Víctor Massuh, Ricardo Molinari y Julia Constenla–, sostenida por su bolsillo, surge la mítica revista Crisis, que aspira a presentar “una dimensión democrática de la cultura”. Será el editor Federico Vogelius quien propone a su director que no es otro que el entrañable Eduardo Galeano. Su primer número está fechado en mayo de 1973 y dura meses.


Sus ajadas páginas no dejan de sorprendernos. Encontramos los más notables escritores latinoamericanos. Plumas de la talla de Juan Gelman, Manuel Rojas, João Guimarães Rosa, Lincoln Silva, Mario Benedetti, Aníbal Ford, Vicente Zito Lema, Rogelio García Lupo, David Viñas, María Esther Gilio, Heriberto Muraro, Juan Carlos Onetti, y geniales cuanto antológicos retratos de Hermenegildo Sábat, entre muchas otras joyas del pensamiento contemporáneo.
Será la vanguardia del debate político cultural que había sido clausurado cuando es derrocado el presidente Arturo Illia. La reaparición de algunos textos del “maldito” Manuel Ugarte, de John William Cooke, Eva Perón y Pablo Neruda conmocionan el mundo de las ideas. Lo que hoy parecería un hecho menor, en aquellos tiempos causó reacciones virulentas, tan virulentas que personeros de la derecha peronista –que Triple A mediante lo amenaza de muerte- , se dieron a la tarea de quemar, ante la sorpresa de los canillitas, números claves de esa antológica publicación.
Hoy es una revista de culto. Sus felices poseedores guardan en sus anaqueles una verdadera joya.
Sería el mejor homenaje posible a Ernesto Sábado intentar su reedición facsimilar, a pesar de la existencia de una antología editada por la Universidad de Quilmes. No para la gloria de su inspirador sino para poner al alcance de quienes no la conocieron un material de extremada valía.
Tanto que es objeto de estudio en la mayoría de las universidades del mundo. Claro está, en este afán de reclamar, no sería completo si esos editores no se interesaran, también, al que habría que complementar con sus maravillosos Cuadernos de Crisis, dirigidos por Rogelio García Lupo, y la serie “Esta América”, cuidada por Mario Benedetti.
Hasta aquí nuestro homenaje, que pretende ser el de los simples lectores; el de los que agobiamos los escaparates de librerías que ofrecen saldos editoriales o usados para saciar nuestras ansias de lectura, sin atentar, en demasía, contra la salud de nuestros cada día más flacos bolsillos.





El legado
María Teresa Archina


“Cuando mis versos se hayan
diluido en el polvo de los tiempos”
Manuel Graña Etcheverry

Cuando el alma surque cielos ignotos,
los libros diseminados en alguna biblioteca,
no serán textos para leer
serán pétalos amarillos
olvidados.
Algún verso, subrayado.








Crisálida
Eduardo Alberto Planas




Ella canta, canta
y no importa la lluvia.
Canta y el deseo la invade.
Corre, corre
y se le va la vida.
Presiente que no está sola,
pero no lo sabe aún.


Hasta que la ve entre la multitud
que corre a refugiarse.

Canta, canta y el dolor persiste en el pecho.
Un ángel cae en medio del concierto final.
Desde abajo los mira.
Le arrojan flores y –finalmente- tierra.
Crisálida.
En otro lugar,
ella esta triste y no sabe por qué.
Y la mujer con sombrero que siempre está.
Las misteriosas marionetas
le dejan huellas,
y el amor.

Las fotografías develadas
le muestran la verdad.
Aquella existía.
Percibe su presencia,
en un canto, en una fugaz luz,
en el azul del anochecer.
Se dirige al padre y
comprende que debe seguir;
por ella, por las dos,
y el árbol las une eternamente






EL BESO
por ALFREDO LEMON
especial para el Boletín BASTA YA!



Gustav Klimt lo dibuja y logra una pintura magnífica del simbolismo. Allí la ternura y la pasión del amado que toma a su amada entre sus brazos, en una posición única, inolvidable, envueltos en una atmósfera dorada e irreal.
Constantin Brancusi, esculpe en un bloque de piedra dos amantes casi invisibles, los que sólo dejan entrever sus brazos. Es un minimalismo que refuerza la abstracción de las formas exactas.
La famosa escultura de August Rodin, donde el realismo no distrae el concepto del hecho plástico. El mármol blanco ya gastado en el centro del Museo de la Rue de Varennes en París, encuentra a las figuras de la pareja dándose un brazo eterno, circular, insinuante, enroscados en formas esbozadas donde la mala crítica ve la mano masculina levemente grande.


Bendita sea la belleza,
el peor de los pecados.

El esclavo cae,
cae y se retuerce,
sube, sube y se lastima,
entrelazánsose se redime.

La emperatriz desciende,
se hunde, resplandece.

Oh, la búsqueda de un verso puro:
el clítoris de la rosa en plenilunio.





Cristo inconcluso
Claudia Tejeda



Mi Señor del rostro indefinido
en tus ojos difusos sin mirada
busco el principio donde regresa
la existencia
con la fe en penumbra
cuando la muerte enfría el tórax
y el recuerdo.

Busco el fin permitido
el pan que me salve
tu voz sin boca en la palabra eterna.

Busco el ademán paralelo
de imagen y semejanza
en la humanidad de tus sienes
pero apenas soy tus manos
tus tendones extendidos
después de los clavos
En mis palmas heridas pero abiertas
Señor, te encuentro.



Detrás del sombrero
Myriam Rosatti


Me mira detrás del sombrero; su flequillo negro, largo y desparejo. La nariz ancha acorde a sus labios bien cerrados, apretados. Tiene una muñeca en las manos. Imagino pueda contarme algo del paisaje de la puna que asoma detrás del sombrero. Quizás se atrevió hacerlo con quien plasmó su retrato desde donde me mira con su flequillo negro, largo y desparejo.
El lago
Contemplaba el inmenso lago, donde se reflejaba la imagen real, deformada por el movimiento natural del bote marrón desteñido. En él se destacaban las figuras de dos mujeres, ambas jóvenes de exótica belleza. La de vestido turquesa y sombrero al tono, parecía oriental. No se podía ver el rostro en su totalidad, estaba levemente inclinada. Había un paraguas sobre su falda. Me pareció insólita la idea de llevar ese elemento inútil en un día espléndido.
Todo parecía extraño. La otra mujer, daba la sensación de una gran fuerza física, a pesar de su contextura de apariencia débil. Tenía la mirada fija en un punto lejano. A mi entender, remaba contra la corriente. Por eso su actitud de esfuerzo, especialmente, en los brazos muy tensos.
Mi fantasía se había puesto en funcionamiento, con todos los interrogantes: ¿hacia dónde se dirigían ? ¿ Cuáles serían sus nombres ? ¿Qué relación había entre ambas ? ¿ Cuál el objetivo ? Bruscamente sin respetar mi estado de contemplación, mis pensamientos fueron interrumpidos; tuve que esforzarme en volver a la realidad; una voz impaciente me dijo: "señora, el médico la llama por segunda vez; es su turno por favor"; "disculpe", murmuré.
El cuadro permaneció sobre la pared; las intrigas que me despertó, las llevé conmigo.



Programa Cultural Luna de Pájaros


“Luna de pájaros es un espacio dedicado a la poesía, la narrativa, la música y el arte en general. Quien les habla Liliana Chavez intentara por una hora apropiarse de sonidos y palabras. Ser el trino que emerja en la serenidad de la casa, al finalizar ese intenso día cansado de caminar la cuerda del apuro. Reivindicar el fuego de la palabra para que el oído pueda saborearla hasta los huesos”.
Así dio comienzo, como cada lunes, el programa Luna de Pájaros que se transmite por Radio FM Activa 105.9 del dial, y por internet: www.activa105.com.ar.
Este 16 de Mayo se realizó en adhesión al V Festival Internacional de la Palabra en el mundo y los poetas de la bandada estuvieron presentes con sus poesías. Laura García del Castaño aportó a la luna su voz y su carisma. Como nunca se sintió a los pájaros dando vueltas y algunos se atrevieron a salir al aire como Julio Taborda Vocos y Victor García. Los llamados y mensajes de texto fueron el aliciente que se necesitaba para que la palabra se viera iluminada.
El puntapié inicial, cuando aún el aire estaba vacío de voces, lo dio la voz de Angélica Garay, recordada y querida poeta que escucha desde el lugar que la luna habita Luego, en voz de sus autores y a lo largo de todo el programa, la poesía de Yoly Gozálvez, Rafael Roldán Auzqui, Alfredo Lemon, Mely Almada, Eduardo Planas, Cecilia Olguín, Diego Slavin, Cristina Ramb, Lelia Recalde Deponte, Olga Morente , Ethel Cobo y Leticia Ressia.
El Boletín Literario Basta ya! tuvo el placer de auspiciar el programa, acompañar la necesidad y urgencia de la palabra. Era el momento de responder a esta convocatoria unitaria que se construye con la participación de todos.



El V Festival Internacional Palabra en el mundo es una convocatoria nacida desde el Festival Internacional de Poesía de La Habana, el Proyecto Cultural Sur Internacional y la Revista Isla Negra. Una iniciativa unitaria que se construye con la participación de todos. Bajo el lema “Démosle una oportunidad a la paz” intentar sanar desde la palabra, convencidos de que siempre existe la oportunidad de un nuevo comienzo. Como Gesto poético, fue elegido poeta de la luna Roque Dalton García, salvadoreño, nacido en 1935 y asesinado un 10 de mayo de 1975 por sus propios compañeros del Ejército Revolucionario del pueblo (ERP). Muchas fueron las acusaciones que se le hicieron, luego desmentidas y desde aquí nos hacemos eco de lo que se dice: “tal vez lo condenaron por el delito de discrepancia”
La música de la noche pasó por “La poesía es un arma cargada de futuro” Joan Manuel Serrat, 1984. Luego, “Me quedo con la palabra” Víctor Manuel y “Murallas” por el mismo intérprete. El cierre fue un poema de Pedro Aznar titulado “Lo más importante es la palabra”
Se leyó un texto de Aimé Fernand David Césaire, poeta y político francés nacido en Martinico en 1913, fallecido en el 2008 , ideó logo del concepto de negritud , que irá al final de la reseña junto al poema dedicado por Jorge Luis Estrella a los 100 programas de Luna de Pájaros.¡
Hubo palabras de reflexión sobre nuestro comportamiento como sociedad con respecto a los chicos de la calle que venden la revista La Luciérnaga. Pidiendo un poco de solidaridad con el trabajo que ellos hacen y las excelentes notas del último número: León Gieco y Mundo Alas, Elvira Ceballos, pianista cordobesa. Desocupación, por Daniel Salzano y Jorge Cuello. Despedida a Sábato, Quino , entre otros artículos.
En www.programalunadepajaros.blogspot.com pueden encontrar la reseña completa y bajar el audio del programa quienes no pudieron escuchar y los invitamos a recorrer www.boletinliterariobastaya.blogspot.com para estar al día de lo que sucede en Córdoba.

“Yo reencontraré el secreto del gran diálogo, el secreto de las grandes combustiones. Diré tormenta, río, tornado. Diré hoja. Diré árbol. Me mojarán todas las lluvias, brillaré humedecido por todos los rocíos. Igual que la sangre arrebatada en la corriente lenta del ojo de las palabras, como caballos furiosos, como niños muy pequeños, como sangre, cubrefuegos, como ruinas de templo.
Como joyas, correré lejos, lo suficientemente lejos como para desalentar a los mineros. El que no me entienda, tampoco entenderá el rugido del tigre. Soy el que canta con la voz abandonada en el jadeo de los elementos.
Es dulce ser nada más que un pedazo de madera, un corcho, una gotita de aguas torrenciales del comienzo y del fin. Es dulce abandonarse en el corazón destrozado de las cosas. La poesía nace con el exceso, la desmesura, con la búsqueda insaciable por lo vedado”.
David Césaire Aime Fernand
Aimé Fernand David Césaire (Basse-Pointe, Martinica, 26 de junio de 1913 — Fort-de-France, ibídem, 17 de abril de 2008) fue un poeta y político francés.
Fue el ideólogo del concepto de la negritud y su obra ha estado marcada por la defensa de sus raíces africanas.





Programa Cultural “Iniciando la tarde”


Iniciando la tarde es un programa de radio que -conducido por Nerina Thomas- se emite en la Ciudad de Rosario los días lunes de 15 a 16 hs. y se puede escuchar a través de www.amlibertad.com.ar. Nerina nos comparte efemérides, autores, difunde poetas del mundo, suele recibir invitados de las distintas ramas del arte y brinda en cada programa el aporte reflexivo del escritor Juan Carlos Lozano.
Las Mil y Una Noches
Todo cambia, hasta la condición humana
una guerra vista en modo de imagen
El orden mundial va a cambiar
Un muestreo escandaloso.

Bagdag y las mil y una noches
Las letras de Borges
Un cuento, dentro de otro cuento
Nadie colaboró en construir
un hombre con dominio

Mientras leo, me extravío
porque de nada vale el encabezamiento
del saber por leer
y no puedo dejar de pensar
en las casas de adobe, de Irak, Bagdag
allí, donde acota el infierno.

Al hombre, nadie le pidió permiso
ni a sus hijos ni a ningún niño
Los mutilan.
Las cosas son así.
El hombre está sólo y espera
Un cuento dentro de otro cuento.

Algunos filósofos dicen que es justificable
y la guerra es una forma del derroche
Hoy en esto, el amor es algo inútil.
Se malgastan vidas
que no son útiles, para los que hacen la guerra.

¿Qué es lo humano? ¿Qué es el hombre?
Un cuento dentro de otro cuento.
El desierto avanza dijo Nietzsche
Tantos cuentos, tantos versos.

Nerina Thomas





UNA COSA TRAE LA OTRA POR LILY CHAVEZ
TABACO, CINE, TELEVISION, UN INTRINGULIS….



En mayo se conmemora el Día Mundial sin humo implementado por la OMS en 1987 y la Ley Antitabaco de 2006. A veces me parece imposible que esta ley haya podido cambiar algunos patrones sociales y hasta me resulta raro no ver en televisión o en cine esas largas propagandas a favor de tal o cual marca de cigarrillos.

Nunca fumé pero cuando adolescente, tomaba a escondidas un cigarro de la etiqueta de mi padre y me ponía frente al espejo, queriendo ser como Chunchuna Villafañe, la modelo más cotizada de la década del 70, que impactaba con su belleza en una propaganda de cigarrillos cuya marca no viene al caso. Y que alegría sentía cuando podía conseguir algún afiche donde actores elegantes y glamorosos publicitaban para Chesterfield, Virginia Slims, Malboro, Lucky Strike ; actores que tal vez sin ese halo de humo hubiesen alcanzado menos carisma. Me acuerdo de Claudia Sánchez y Nono Pugliese y la conocida propaganda de los cigarrillos LM que “marca su nivel”. Y las tabacaleras pagaban millones por publicidad en televisión y cine. Acaso alguien recuerdan a Humphrey Bogart sin un cigarrillo? Y me viene a la memoria Henry Ford en una propaganda, la inolvidable Rita Hayworth, Paul Newman, Sean Connery, una bella Lauren Bacall que precisamente conoció a Bogart en la película “Tener y no Tener” y se casó con él, siendo 25 años menor (eso como aditivo) y tantísimos actores más, sin olvidar a Clint Eastwood fumando Camel en Puentes de Madison. Tan fuerte era el impacto del cigarrillo que ya en la década del 60, cuando nacieron Los Picapiedras llegarían con un cigarro bajo el brazo. No se anunciaba en tanda sino en la trama misma de la serie, allí, los personajes masculinos, no sólo fumaban ellos, sino que convidaban a sus esposas. Los memoriosos saben que Pedro Picapiedras degustaba cigarros Winston. Después llegarían otros dibujos animados fumadores como Popeye, Scooby Doo, Don Gato y su pandilla, entre otros, donde además del cigarro se colaban otras adicciones de la época.

Pero, como Una cosa trae la otra, me puse a pensar que no todo lo que nos ofrece el cine o la televisión son malos hábitos, lo del cigarro fue sólo un comentario por el Día mundial sin humo. Decididamente estos medios de comunicación nos han transmitido por décadas y décadas información, reflexión, nos han despertado al asombro, nos hizo enamorarnos, han unido generaciones y armado una red entre las distintas sociedades del mundo.

En estos días, fue la transmisión de los Martín Fierro por televisión la que me devolvió a un ídolo de la infancia, que me emocionó hasta las lágrimas, y hablo del homenaje y reconocimiento que se le hizo a Carlos Salim Balaá , nuestro tan querido Carlitos Balá. Y el miércoles 25 de mayo estuvo con Susana Giménez, para refrescarme sensaciones. Es difícil creer que tiene 85 años que baila y canta como si tuviera 50. Precisamente en dicha audición, habló de lo mucho que fumaba cuando debía esperar su turno para una escena o una grabación y cómo su señora le arrancaba el cigarrillo de la boca hasta que un día se dio cuenta de lo dañino que era y dejó de fumar. Eso mas la actividad física y la comida sana nos pone hoy ante un Carlos Balá con un estado físico y mental envidiable.


Me sucede con Balá que no encuentro la diferencia entre la persona y el personaje. Siempre se conservó igual en su aspecto, en su forma de ser y pasan por mi mente “El flequillo de Balá”, “El clan de Balá”, “Balabasadas”, “El circus show de Carlitos Balá” y luego el Circo Mágico y El Show de Carlitos Balá.

Y recuerdo también muchas películas con las que nos hizo divertir sanamente: “Canuto Cañete” , en sus tantas versiones, luego ¡Esto es alegría!, “Brigada en acción”, “El tío Disparate”, ¡Qué linda es mi familia” y “Tres alegres fugitivos”, entre otros.
El contó en el programa de Susana una anécdota tan linda que voy a tratar y sólo tratar de transmitir. Dice que iba por la calle, siendo sólo un niño y al pasar por una casa, entre las cosas que habían tirado para que el basurero recogiera, había una maquinita de pasar películas y que si bien no eran tan caras, para algunos resultaba inaccesible. Miró hacia un lado, hacia otro, llegó hasta la esquina y dio toda una vuelta antes de atreverse a entrar a su casa, pensando en que no estaba bien levantar nada ajeno, aunque se tratara de trastos o basura. Y esa máquina pasaba dibujitos y películas que se vendían por metro y contaba las veces que se quedó sin saber el final….
Pese a los avances tecnológicos y todo lo que nos da la ciencia a ritmo vertiginoso, me gustaría que cada niño viniera al mundo con un poco de esa ingenuidad, de esa pureza y que nada ni nadie pudiera privarlo de eso.

El flequillo de Balá es su marca registrada y sus frases inolvidables para muchísimas generaciones. A quién no se le escapa….”el chupete es ….FEO”, un ¡”Mirá como tiemblo! , quien olvida que alguna vez por detrás de la nuca le hicimos sumbudrule a alguien, la mano como una araña sobre la cabeza del otro, sin posar la mano, señal sana de burla o disgusto. Quien no hace un gestito de idea cuando se nos ocurre algo interesante, quién no querría decir ¿Mamá cuando no vamo´? para salir disparando de alguna reunión que ya no nos bancamos. Quién no quiere “un techito por si llueve” o llegar a algún lado “más rápido que un bombero”, quién no quisiera “quedarse tranquilo y dormir sin frazada”.

Me encantaba ese “te pasaste Petronilo pegá la vuelta” “La Argentina te queda chica, comprá dos números más”, personaje con el cual la gente del interior se identificaba.

El día de los Martín Fierro todo el mundo estuvo aplaudiendo de pie, porque no se puede dejar de aplaudir a quien hizo y hace tanto por la infancia, por una buena niñez y que a lo largo del tiempo genera emoción, nos aprieta con nostalgia, nos hace ver que lo inolvidable existe.

Y no quiero dejar de contarles una curiosidad, la verdad que no tiene demasiado que ver con el texto de la canción pero el líder del grupo de rock Los Piojos sale con una careta de Carlos Balá al interpretar la canción “El balneario de los doctores crotos”, el motivo no lo sé y tal vez su respuesta aparezca en alguna otra entrega de Una cosa trae la otra. Nunca se sabe.

Lily Chavez



Cortázar y el Cine / Eduardo Alberto Planas




El realizador argentino Manuel Antín fue quien adaptó la mayor parte de los filmes inspirados en la obra de Julio Cortázar, entre ellas: La cifra impar, Circe e Intimidad de los parques. El propio Cortázar intervino en el proyecto, según lo corroboran las Cartas del autor, editadas posteriormente por su esposa Aurora Bernárdez
Pero la película cortazariana por excelencia –por los premios que recibió, la difusión internacional y la relevancia de su director- fue sin dudas Blow-up (1966), de Michelangelo Antonioni, basado en parte del relato Las Babas del Diablo, aunque pueden encontrarse huellas de otros cuentos. Hasta tal punto el éxito alcanzado, que se hicieron traducciones y ediciones de bolsillo en las que el cuento aparece con el nombre del filme.
Pero hete aquí, que Julio Cortázar no se reconocía ni reconocía su relato en la magnífica creación del italiano. Sostenía que solo en algún travelling que atravesaba el bosque conseguía acercarse a lo que había sentido escribiéndolo. El mismo cine de Antonioni en general no le parecía próximo a su poética o narrativa.
Luis Buñuel, a quién Cortázar consideraba un verdadero monstruo sagrado del cine, estuvo interesado en filmar algunas cosas o reagrupar varias obras en una sola. Se dice que pretendió adaptar Las ménades, por lo que se encontraron en diversas oportunidades pero las imprevisibles leyes de la producción impidieron concretar el proyecto. Esto sí hubiera significado para Cortázar una especie de utopía cumplida: la de verse a sí mismo en otro lenguaje paralelo y equidistante de la literatura.
Tristán Bauer, el director argentino de la película que -a mi juicio- es la mejor sobre Malvinas, Iluminados por el fuego, realizó - cuando nuestro admirado escritor ya había fallecido- el filme Cortázar, de excelente factura.
Las experiencias que Julio Cortázar volcó en su libro "Los autonautas de la cosmopista", que escribió en 1982 durante un viaje de 33 días por una autopista francesa junto a su mujer por entonces, Carol Dunlop, fueron reeditadas por Sebastián Martínez en el documental "París - Marsella", que se estrenó hace poco tiempo en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).
Martínez repitió 20 años después -también en compañía de su esposa, Victoria Simon, que estaba embarazada- el mismo recorrido entre París y Marsella. Es un verdadero road-movie documental que Martínez realizó como una suerte de homenaje y continuación de aquella aventura lúdica emprendida por Cortázar.




Una exploración sobre la violencia y la familia en lo identitario del sueño americano según los filmes Match Point (2005) y Una Historia de Violencia (2005)




La identidad social, teoría inicialmente abordada y desarrollada por Henri Tajfel y John Turner durante fines de la década del 70 y principios de la década del 80, usualmente se utiliza para explorar las bases psicológicas de temáticas como la discriminación intergrupal o interracial. Esta teoría básicamente establece que el ser humano no sólo posee una identidad individual o personal sino también diversas identidades que se construyen desde lo que se conoce como la pertenencia o membrecía grupal. Es decir, diferentes contextos sociales pueden llevar a que un individuo piense, sienta y actúe según su diferente nivel de identidad personal, familiar o nacional y el poder de pertenencia o membrecía que el mismo manifieste hacia cada uno de estos niveles. Asimismo, la identidad social se compone de tres elementos esenciales: la categorización, por medio de la cual justamente nos categorizamos (rotulamos, etiquetamos) en, por ejemplo, “ricos”, “pobres”, “doctores”, “abogados”, “personas de negocios”, “actores”, “adolescentes”, “ancianos”, “de occidente”, “de oriente”, “anglosajones”, “musulmanes”, “árabes”, “americanos”, “norteamericanos” entre otros; la identificación, como segundo elemento, que comprende la creencia en que nosotros nos asociamos con determinados grupos para así elevar nuestra autoestima; y la comparación, proceso por medio del cual comparamos nuestro grupo con otros asignándole características favorables (habitualmente desde el prejuicio o la estereotipación) al grupo al cual pertenecemos. Sin duda, los elementos antes descriptos trabajan en conjunto con otros procesos de definición identitaria, como el de “othering”, tal cual lo describieran algunas teorías postcolonialistas, o el de “demonización”, según algunas corrientes en la retórica discursiva política. Sabemos que la practica discursiva de juzgar al otro que es diferente como inferior se denomina “othering”. La misma, asimismo, ha sido sistemáticamente aplicada en los ya conocidos procesos de colonización a partir de cuya ejecución el dominador se establece como el “self” (el ser) y el dominado como el “otro”, con características identitarias positivas y negativas que, lógico, le son particulares a cada uno. Esta construcción ideológica de la otredad está estrechamente relacionada, a su vez, con el concepto de demonización recién mencionado. La demonización, sabemos, se entiende como la caracterización de individuos, grupos o cuerpos sociales como el mal, lo maligno o siniestro, con el fin de justificar algún tipo de acción violenta que afectara a estos grupos. El propósito final de la demonización del otro es, entonces, el de facilitar acciones opresivas contra el grupo demonizado. Demonizar al otro implica, asimismo, un doble proceso: al asignarle al grupo demonizado la cualidad de “el mal”, se le asigna también la de “violencia”. Contradictorio desde su fundación, el procedimiento es explicito: se demoniza al otro adjudicándole características identitarias de “el mal” y “la violencia” para justificar la aplicación sistemática de la misma violencia sobre estos. Quisiéramos detenernos por un momento en este concepto de “demonización” ya que es central a nuestro análisis. Consideramos que en los Estados Unidos (locus donde se centra nuestra exploración) los procesos aquí descriptos son visibles y explorables en ciertas narrativas ficcionales de dicho país. Asimismo, creemos que en Norteamérica, la demonización política del otro ha servido para justificar innumerables hechos de violencia que hoy forman parte del constructo identitario de dicha nación. Entre otros, podemos mencionar el exterminio de los nativos americanos a partir de la colonización, la expansión hacia el oeste con sus consecuentes guerras, la caza de brujas tanto a fines del siglo XVII como en la década del 50 bajo el macartismo, los linchamientos de personas de color que se mantuvieron durante unos 100 años en el país, la violencia anti-inmigratoria perpetuada contra católicos irlandeses durante mediados del siglo XIX. Del mismo modo, podemos nombrar otros casos claros de demonización que se mantuvieron y que persisten en Estados Unidos, así como en otros lugares del mundo, como la sufrida por los asiáticos a partir de Vietnam y el Viet Cong, o por los llamados “infieles” a partir del Cristianismo, o por los árabes y musulmanes a raíz de la guerra contra el terrorismo. Es a partir de la demonización del otro, entonces, que Estados Unidos ha ido construyendo su identidad como grupo social. Creemos que es primordial destacar que por más que los hechos antes nombrados no sean negados en las crónicas históricas norteamericanas, el sujeto discursivo norteamericano no termina de conciliar la relación inseparable que existe entre la construcción de su propia identidad, con asiento, en el concepto del sueño americano, y la violencia como base del mismo.
Surge aquí un tercer elemento aún no explorado en este análisis que cerraría el trinomio por nosotros propuesto: el del concepto de sueño americano. El mismo se refiere a la fe sostenida por muchos en Estados Unidos que establece que por medio del trabajo duro y la determinación uno puede obtener una mejor vida, usualmente a través de la prosperidad económica.
Consideramos que existe una relación dialéctica de dependencia entre violencia, sueño americano e identidad y que esta red de relaciones se presenta como un constructo naturalizado en el consciente colectivo norteamericano ya que la identidad de la comunidad norteamericana se ha construido a partir del concepto del sueño americano, el cual, a su vez, ha nacido y se ha desarrollado a partir del ejercicio sistemático de la violencia. De aquí se desprende la idea de que el sujeto discursivo norteamericano necesite de-definirse constantemente a través de estrategias discursivas de demonización de la violencia en el otro porque aceptar que la violencia y el mal son parte de su identidad sería equivalente a auto-demonizarse y así destruir siglos de persistente y eficaz construcción identitaria “positiva”.


El presente trabajo intenta realizar una exploración inicial de un proceso continuo de construcción y problematización que se manifiesta a través de estrategias de resistencia y cuestionamiento del sueño americano en relación con la identidad del sujeto discursivo. El mismo por medio de sistemas de significación construidos a lo largo del tiempo (discursos políticos, históricos, literarios, cinematográficos, entre otros) ha mostrado en forma consistente la necesidad de definir y de-definir la categoría de la identidad americana como identidad colectiva. Dicha necesidad de una identidad americana parece estar enraizada en la violencia como una constante en una pluralidad de relatos: la violencia dentro del relato identitario resiste toda definición y se vacía a través de mecanismos o estrategias de de-definición. La presencia de lo violento en los discursos cinematográficos de los filmes Match Point de Woody Allen y Una Historia de Violencia de David Cronenberg es un reflejo de un continuo de discursos dentro del cual el sujeto americano se define provisoriamente mientras que resiste toda definición teleológica de si mismo desde la violencia como parte inherente de una identidad idealizada en el sueño americano. El sujeto norteamericano está necesariamente relacionado con la demonización de la violencia como forma de resistir la presencia paradójica de la maldad en el deseo de bien absoluto como ideal, del sueño americano, en una sociedad que sólo acepta una visión binaria del mundo, una visión de lo bueno como oposición excluyente de lo malo. La definición de la identidad americana, dentro de la categoría del sueño americano, no puede excluir la violencia. La violencia ha permitido resistir toda definición ya que lo malo estaría incluido en el ideal absoluto de lo bueno como base del sueño americano. La gran contradicción, que aquí se plantea como base en el proceso de construcción identitaria, radica en que los norteamericanos deberían autodemonizarse para definir su identidad individual y social, aceptando al mal y a la violencia como propias.
En Una historia de Violencia se recupera la tradición mafiosa encarnada en la figura del arrepentido. El personaje principal del relato aparenta ser el modelo de ciudadano norteamericano: padre de familia, esposo proveedor y afectuoso, miembro de una comunidad que vive en armonía. Incluso, este hombre, que se posiciona como el modelo del sueño americano es aclamado por su comunidad y por los medios de comunicación debido a un acto de violencia en el cual asesina, en defensa propia, a dos delincuentes que intentan robar su cafetería. Sin embargo, el pasado lo acecha y encuentra. Es así que por medio de las relaciones que se reviven con personajes pertenecientes al mundo de la mafia y, por ende, del pasado de Tom, el modelo de padre norteamericano se transforma en el anti-héroe de la narración y pasa a representar todo lo que el sueño americano rechaza: la muerte, irónicamente la violencia, la delincuencia, entre otros. Contrario a lo que se espera, sin embargo, la ficción se resuelve con sucesivos hechos de violencia y muerte, incluso en manos del hijo adolescente del personaje principal, hasta el punto que la misma violencia es aceptada y justificada por la esposa de Tom. El anti-héroe vuelve a ser héroe, personificando la figura del padre americano cuyo pasado e identidad han sido construidos a partir de la violencia. Ese pasado, esa identidad, se perdona y se justifica porque ese hombre sólo persigue el sueño de todos sus compatriotas norteamericanos. Sin embargo, esa identidad, a su vez, se re-define: la violencia a raíz de la cual esa identidad se generó se re-configura bajo las premisas aceptables y aceptadas por el ideal identitario nacional: perseguir el sueño americano de tener una familia (idealmente, con dos hijos), trabajar sólidamente para llegar a una cierta estabilidad financiera y así obtener una mejor vida para uno mismo.
En Match Point se explora la relación que existe entre la suerte y las decisiones que una persona puede tomar en la vida y que, claro, determinan el futuro de ésta. Al mismo tiempo, el filme examina la naturaleza no sólo competitiva del ser humano sino también de supervivencia tanto del hombre como de la mujer. Chris, el personaje central de la narración transforma su vida al enredarse afectivamente con Chloe y la familia de Chloe. A través de esta, Chris entra en el mundo de las finanzas y adquiere seguridad económica. Chloe, a través de Chris, adquiere un esposo y, finalmente, una familia. Paralelamente, Nola, la actriz norteamericana, se perfila a seguir los pasos de su contraparte Irlandés, por medio de la relación que ella mantiene con el hermano de Chloe. Los hermanos Británicos, entonces, serían quienes aseguren la prosperidad de los desventajados Chris y Nola. La trama, claro, se complica cuando Chris y Nola comienzan su romance y termina de enmarañarse cuando Nola queda embarazada de Chris, perfilándose el film así hacia el género del thriller. La suerte de Chris y Nola se resuelve por una ecuación que, aunque no matemática sino aparentemente natural, rige en parte la “suerte” del ser humano. En una primera lectura podríamos inferir que esta ecuación se refiere a la suerte, en su sentido azaroso, mensaje que está claramente a la vista en el film. Sin embargo, la ecuación que parece realmente gobernara la suerte, es decir el destino, designio o futuro, además de pasar por el azar, mantiene estrecha relación con la necesidad de supervivencia del ser humano, tal cual lo planteara el Social darwinismo de Spencer. Es así que Chris, el más apto, sobrevive. Nola, la figura débil de la trama, no lo hace. Chris persigue la versión Europea del sueño americano. Chris adquiere prosperidad económica y seguridad familiar a través de, el filme pregunta, el azar o el ingenio macabro o ambos? Seguramente Chris no obtiene estas bendiciones por medio del trabajo duro, tal cual lo postula ese ideal. Chris, incluso, hacia el final del filme, aclara este punto cuando señala que los inocentes a veces son exterminados para dar lugar a un esquema mayor y, explica, que estos son considerados daños colaterales en el proceso. Es decir, perseguir el sueño americano de prosperidad económica y bienestar familiar puede alcanzarse de formas, a veces, no muy escrupulosas, como lo presenta el film, en este caso por medio de la extrema violencia. Pareciera que la condición misma de ese ideal justificara estos métodos que, debido a que atentan contra él mismo, son encubiertos bajo la proposición principal que del mismo se desprende: la felicidad.
Dejando de lado, por un momento, el análisis anterior de los filmes, quisiéramos centrarnos en algunos de los personajes de los mismos ya que estos se presentan como descriptores de la problemática identidad-violencia-sueño americano tal cual lo vive el sujeto discursivo norteamericano.


En Una Historia de Violencia debemos referirnos a Tom, el personaje principal, padre de familia y ferviente perseguidor del sueño americano. Asimismo, debemos hablar de Joey, el pasado que Tom quiere esconder. En este filme vemos cómo los discursos de la redención o los llamados discursos pseudocristianos de “perdona y olvida” son necesarios para justificar la construcción identitaria que Tom lleva a cabo. Tom no puede ser Joey porque esas identidades se contraponen, se eliminan o excluyen mutuamente. Tom logra perdonar y que se perdone a Joey para dar lugar a Tom. La familia norteamericana necesita más de un Tom para mantener la construcción identitaria positiva que rechaza, no acepta y esconde la violencia, que de un Joey que es la encarnación de la violencia La tragedia es digerida (y así escondida) personalmente. El entorno, más allá de verse por momentos directa o indirectamente afectada, no parece formar parte del proceso de asimilación de ese pasado violento. La persona sí. El entorno (en este caso la familia) espera a que la persona lo pase para así continuar con sus vidas.


En Match Point debemos referirnos a Chris, el personaje principal. Chris es el “chico bueno”,el irlandés. Chris entra a un círculo exclusivo de Inglaterra representado por los miembros de la aristocracia, es decir, los más aptos, aquellos que alcanzaron el sueño americano de prosperidad económica. El pasatiempo de Chris es leer clásicos, como Crimen y Castigo de Dostoievski y se deleita con la opera, el teatro, el cine y las exposiciones de arte en museos. Chris luego accede al mundo de los negocios. A Chris de hecho le gusta este mundo estético, de belleza, arte, cultura, este mundo exitista porque es el mundo en el que puede preservar su naturaleza competitiva. Chris siempre manifiesta su más intimo deseo que es el de escapar de la pobreza de su Irlanda natal, hacer una contribución, como él lo denomina. Sin embargo, no hace ninguna contribución al mundo, sólo a sí mismo. Chris es el héroe de esta tragedia, siguiendo la tradición de la tragedia clásica de Shakespeare. Sin embargo, aquí no hay caída y esa es la tragedia porque el héroe quiere caer para que la vida cobre algo de sentido. La audiencia incluso simpatiza con este héroe porque no sufre castigo, lógica que va en contra del positivismo causa-efecto: el castigo es consecuencia natural del crimen. Después del crimen hay castigo en el otro, ya que el villano, encarnado en la figura del drogadicto delincuente, paga por el crimen de Chris.
En ambos filmes vemos cómo juicios morales se silencian en forma cómplice para poder dar lugar a la idea de “seguir adelante”, “perdonar y olvidar”, “esconder y continuar”. Chris y Tom van a continuar y perpetrarse a pesar de la monstruosidad de sus crímenes. Ambos serán padres ejemplares. Uno será un hombre de negocios prospero. El otro intentará retomar su pequeño pero estable negocio en el pueblo. Ambos serán los esposos ejemplares y afectuosos que idealiza la familia norteamericana. Para que ello suceda debe existir este acuerdo colectivo de silenciar juicios morales para así poder continuar con o sostener una idea del ser humano no demonizado, un ideal de identidad del ser humano que excluya la violencia, punto que es central a la problemática del sueño americano.




El film Match Point de Woody Allen se explorará ya que más allá de que la escena transcurra en Inglaterra, es la visión del director norteamericano el centro de interés del presente análisis.

Lic, Agustina Sosa

Revol, UNC
Lic. Gustavo Kofman, UNC
William Cathcart BA, Clemson University










Lluvia de lluvia
Víctor García




“Tras una lluvia de agujas de hielo, barrera infranqueable, distancia infinita” Sola – Pilar velazco

I
Caen mis pensamientos / como hilera de gotas / y te dibujan en el agua/ Me pienso en vos/como un botón prendido en tu vestido/ que nunca caerá/ que nunca rodará hacia un abismo/ Soy agua fresca que germina tu semilla/ soy un brote que recibe tu lluvia /como una bendición./ Gotas de amor / penetran mi tierra sedienta/ preparan la cosecha./Botón cosido en tu vestido/ espiando entre tus piernas/ soy…

II
Hay un secreto entre nosotros/ guardado en tus mejillas/ dicho cuando miras / salvaje cuando rozas./ Y la luna se escondió en tu cara / del lado de tus ojos negros/ del lado en que tu alma/ciega / sin un bastón / persigue dudas / días y días

III
Y que será de esta agua bendita/limpiando mis heridas/que será de este vendaval/ arrastrando dudas y dudas. / Hasta dejarme helado/ hasta rebanar mis rodillas./ Huir de tus ojos / con mis labios secos/ matar mis pasiones / con mas filoso de los cuchillos /. El miedo
IV
Caen mis pensamientos como hilos somnolientos / y el viento envuelve tu figura/ en manojos de gotas /Dibujo mal hecho/ por mis manos de agua/ El viento te disuelve/ te arremolina / y como la tarde /te alejan de mi alma/ hacia tu noche.


Victor García







Dragón / Eduardo Alberto Planas



"Sé que el dragón es el encargado de mover
mi fuego interno hacia arriba por mi columna
vertebral a fin de expandir la energía creadora.
Para explicarlo de un modo más apropiado:
el dragón conduce la llama desde mi primer sol
hasta los otros seis para activarlos y nutrirlos.
Porque siete son las estrellas de mi galaxia".

Ciruelo Cabral
Cuadernos de sueños de Ciruelo
2010 Ciruelo Cabral

La fotografía que se observa, es una satelital de Google Earth, donde se puede ver al dique El Cajón que se encuentra en Capilla del Monte.
Ciruelo señaló que cuando lo invitaron a concurrir a dicho lugar el año pasado, fue a Google Earth para ver como era el lugar que iba a visitar y se topo con esta fotografía.
Si se observa con detenimiento, el Dique tiene la forma de un Dragón. ¿Sí? ¿lo ves?.
Durante la Conferencia que dio en dicha Ciudad, señaló que cuando llegó a Capilla del Monte lo primero que hizo fue ir al Dique El Cajón y mojar sus pies en las aguas del mismo, al tiempo que le pidió permiso al Dragón para ingresar al lugar.
Los pueblos ancestrales, le pedían permiso al Dragón cuando iban a sembrar, para que diera una buena cosecha. También se lo solicitaban cuando viajaban de un lugar a otro, y en varias cosas más de uso doméstico que tenían que ver con el uso de la tierra.
El Dragón es el guardián de la Tierra, y debe pedírsele permiso cuando se la quiere utilizar, como sembrar, cortar un árbol, una planta, una flor.
Si el Dragón no da el pertinente permiso, las consecuencias suelen ser terribles...



Los blues del Dr. House



"Let Them Talk" es el primer álbum grabado por Hugh Laurie tras haber firmado con Warner Bros Records en 2010. Producido por Joe Henry y grabado en Los Ángeles y New Orleans, el álbum es una celebración del blues de New Orleans, un género que es para Hugh el músico, su verdadera "razón de ser".
Hugh Laurie (conocido por ser el protagonista de la serie Dr. House) cuenta con 300 millones de visitas en You Tube, 18 millones de fans en Facebook (3°, atrás solo de Lady Gaga y Eminem) y una audiencia global de 81 millones de personas por House. El disco se encuentra primero en el ranking en 6 países, inclusive Argentina.
Espiritualmente inspirado por álbumes del genero como el de Ry Cooder: 'Buena Vista Social Club' y la banda de sonido de T-Bone Burnett de 'O' Brother Where Art Thou', este disco de Hugh Laurie llamado 'Let Them Talk', se compone de una extraordinaria selección de perlas del genero, reconocidas voces y músicos legendarios que le dan forma a este trabajo.
Hugh canta al frente de su piano y en este viaje se le unen la Reina de New Orleans Irma Thomas, el supremo pianista Allen Toussaint, el inigualable Tom Jones y especialmente el gran héroe de toda su vida, la mismísima leyenda del género: el inmenso Dr John en "After You've Gone"
Este disco se lanzó en Europa y en Argentina el 9 de Mayo, y será apoyado por una serie de shows en Londres, Paris y Berlín, y un programa de TV especial que recorre el viaje musical de Hugh por New Orleans, con performances en vivo de Hugh y su banda, más invitados.

Hugh Laurie habla de su disco



"No nací en Alabama en 1890. Puede que ya se hayan dado cuenta. No me he
alimentado a base de granos, cosechado para un patrón, o montado en un vagón de
tren. Ninguna gitana le vaticinó algo alguna vez a mi madre cuando nací, y no hay
ningún perro demoniaco en mi camino… hasta donde sé.
Dejen que este disco muestre lo que en realidad soy: un inglés de clase media, transgrediendo abiertamente las melodías y la música del mítico sur americano.

Como si eso no fuera suficiente, encima ¡soy un actor!, uno de esos bobos mimados que no ha ido ni siquiera a la panadería en más de una década y es incapaz de encontrar el camino al aeropuerto sin un asistente niñera. No me sorprendería encontrar que tengo tatuado algún carácter chino en mis nalgas. O en el hombro, da lo mismo.
Y para peor de todo, acabo de romper la regla de oro del arte, de la música y de mí
carrera: los actores se supone que deben actuar y los músicos deben ocuparse de la música.
Así es como funciona. No compras pescado en el dentista o le pedís al plomero consejo financiero, entonces por que escuchar a un actor que canta?
La respuesta es: No hay respuesta. Si te importan el origen, la procedencia y la genealogía, entonces deberías buscar en otro lado, no tengo nada para ofrecerte, nada que te interese.

Ahora, la pregunta de por qué un inglés adolescente blandito fue tan profundamente
tocado por la música que nació de la esclavitud y la opresión en otra ciudad, en otro
continente, en otro siglo, es para que una docena de especialistas la contesten antes
que yo: desde Korner a Clapton, desde los Stones hasta Jools Hollands. Digamos
mas fácil que simplemente sucede.

Durante la siguiente década, me devoré a todos los guitarristas que encontré: Charley
Patton y Lead Belly, que fue un genio, como lo fueron también Skip James, Stripper
Blackwell, todos los Blinds (Lemon Jefferson, Blake, Willie Johnson, Willie McTell),
Son House, Lightnin' Hopkins, Bo Diddley, Muddy Waters, y tantos más que
Asi que esta es mi única credencial, mi tarjeta de presentacion, que espero que me
lleve desde las cuerdas de terciopelo del escenario a sus corazones. Amo esta
música, tan auténticamente como se que se siente, y quisiera que ustedes la amen
también. Y si ustedes sienten una centésima parte del placer que he obtenido de ella,
estamos todos mas allá de cualquier juego".

Hugh Laurie
Marzo 2011

14 comentarios:

Anónimo dijo...

Muy bueno como siempre Eduardo. Saludos aa vos y todo el equipo.
Raúl

Anónimo dijo...

Muy buen contenido.Gracias.
Raquel

Anónimo dijo...

Felicitaciones por lacreatividad y el trabajo a los autores del Basta ya!
Laura

Anónimo dijo...

EDUARDO: me gustaron mucho algunas cosas que leí en tu boletín. Lo que me dijo un loco de Roque Dalton no lo conocía. A Dalton lo supe leer cuando era muy joven y lo único que recordaba de él, es un libro que calculo todavía debe andar por ahí, y que es "Las historias prohibidas de Pulgarcito".
Me pareció exquisita tu " Crisálida " y que escribió Alfredo Lemon " El beso ".
El poema " Cristo inconcluso " de Claudia Tejeda me encantó y por último descubrí a Hugh Laurie al que no conocía.
Te mando un fuerte abrazo.
Carlos

Anónimo dijo...

En general el boletín enriquece con su contenido. Algunas notas me parecen extensas y demasiado académicas. Gracias por la siempre bienvenida poesía de Dalton, muy bueno Lemon, la poesía de Carranza, lo de Lily Chavez, como a Carlos me gustó lo de Claudia Tejeda. Felicitaciones al equipo


Enrique Rodriguez
Córdoba

Anónimo dijo...

Gracias por esta oportunidad de participar de tu Boletìn y què alegrìa que guste.
El aplauso es para vos que difundìs solidariamente la palabra.
Y tu Crisàlida es de verdad exquisita.
Un abrazote.
Claudia Tejeda

Anónimo dijo...

Excelente.Muchas Gracias.
Laura

Anónimo dijo...

Boletín Literario Basta ya! de Mayo

El alma quieta envuelta por el sueño que la rodea , porque la misma a veces esta muy inquieta.

La magia , el hacer para sentirnos vivos. la impotencia de recuperar el vino de las palabra que uno decía de niño. La naturaleza e nsu esplendor. la luz, imposible describirla, hermoso verla ydisfrutarla. Los árboles son nuestros mejores aLiados, no estemos enemistados conellos, y aunque nos quieran hacer creer que nada vale, nos queda mucho por andar ytransformar. Libros que se perderan amarillos en la biblioteca cuando unodesaparezca y quedaran frases marcadas eellos, que ya nadie leerá.

Ante las perdidas como la Crisálida hay que "asirse de la mano de otro y seguir andando el camino, sin quedarse a un costado del mismo". La Belleza, el Beso en su majestuosidad se derrumba cualquier pudor, ella resplandece la vida. El no poder dibujar el rostro de dios, es una actitud de inteligencia.Dios no es un rostro, es un sentimiento profundo que se aplica en todos los actos de nuestra existencia.

El Dragon como simbolo de algo sobrenatural, de la magia, que moviliza los siete chakras interiores y nos hace sensibles ane lo bello. Homenaje a Ernesto sabato: Aun hombre no se lo condena por sus errores. Se lo ensaza por sus virtudes y en este caso como escritor fue preclaro, como bien lo manifiesta el Dr. Escudero, considerao entre los mas grandes.Nota muy instructiva y valiosa para hacer un poco de historia con la vida de un hombre entregado de pleno a jugar con las palabras.

La interpretacion de un cuadro llevado al cine.

la literatura en el cine, en la radio, enla TV.

Luna de pajaros: apropiarse de los sonidos y palaras al final de una jornada que nunca es facil, encierra la magia del disfrute. Dandole una oportunidad a lapaz, a traves dela palabra, unica forma de no incurrir en la violencia.

Para terminar digo que el Boletin Bastaya! tiene todo lo mencionado llevado al papel como un guisado en los dias frios de invierno, donde agregamos a la olla aromaticos que lo hace mas exquisito y mientras el vapor se va disipando por el ambiente nos vamos nutriendo y activando nuestros sentidos, despertandolos a ellos, pues ESTAMOS VIVOS. Y el vino de esta comida, el vino es LA PORTADA de una exquisitez incomensurable.

FELICITACIONES a todo el grupo por la eleccion de la tem{atica, del buen gusto y dedicacion.

GRACIAS TOTALES

JULIA UNALECTORA

(FANS)

Anónimo dijo...

què linda devoluciòn, què bueno Eduardo, què alegrìa saber que el trabajo que te tomas tiene buena recepciòn, es importante como una mano en la espalda, ese empujoncito que alienta a seguir.
Bravo por tu esfuerzo y dedicaciòn.
Un aplauso/abrazo.
Claudia

Anónimo dijo...

Marcela Rosales 12 de junio a las 11:21 Denunciar
Hola Eduardo, quiero felicitarte por el trabajo que realizás en el Boletíni Literario Basta ya! Lo leí en el desayuno y me gustó mucho, no sólo por las notas, sino por el diseño y el cuidado con que está hecho. saludos cordiales, Marcela (de La Bandada)

Anónimo dijo...

Eduardo: Quiero realmente felicitarte por el trabajo que estas realizando con el BoletínLiterario Basta ya!, dede hace años.Recuerdo cuandoempezamos conuna simople hoja de poesía. Ahora es toda una revista cultural.Se nota una evolución, un cuidado en la elección de los temas, (a mi me gustan mas cuando los boletines son temáticos). Se nota una evolución en el diseño y diagramación. Esta mucho mas agil y moderna. Una impresión de calidad. Saludos y felicitaciones a todo elequipoque trabaja contigo. Sin dejar de destacar tu perseverancia y dedicación.
Edgardo

betty badaui dijo...

Eduardo, fue un gusto recorrer este sitio, hallar buen material y también buenos amigos y autores que los acabo de conocer.
Desde Rosario un abrazo
Betty Badaui

Rosa Lía dijo...

Eduardo,me gustó mucho este boletín, los autores, y todo lo publicado en él, incluyendo el diseño. Tenés otra seguidora...eu
Rosa Lía

Cecilia dijo...

Excelente este blog, para leer con detenimiento, un gusto encontrarte por intermedio de Gus. Te sigo.
Marina Cecilia Kohon